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Comment photographier un concert live

Rédigé par Image Numérique

Vous rêvez de photographier vos artistes et groupes préférés ? Le photographe professionnel Mark R., spécialiste musical, vous révèle ses secrets pour capturer les meilleurs images lors des concerts !

Si vous êtes passionné à la fois de musique et de photographie, ce n’est qu’une question de temps avant que vous soyez tenté de mêler vos deux passions, et que vous vous essayiez à capturer les plus belles images de vos artistes favoris sur scène !

Que votre voyage à travers la photographie musicale commence par quelques clichés d’un groupe local dans un bar, ou par une accréditation spécifique à un concert ou un festival, les conseils, truc et astuces distillés ci-après par notre spécialiste vous guideront vers l’excellence pour réussir les plus beaux clichés.

La photo musicale est possiblement, l’un des genres photographiques les plus difficile à maîtriser, entre des modèles en mouvement permanent entre les obstacles et des jeux de lumière changeants. Mais quel pied de capturer l’énergie des artistes et l’atmosphère si particulière des concerts !

Avant le concert

Sélectionner le correct équipement pour la photographie de concert pourra vous emmener directement dans la fosse ! Pas la fosse aux lions, mais la fosse pour photographes entre les barrières de sécurité et la scène !

En règle générale lors des grosses productions, les photographes sont autorisés à prendre des clichés durant les trois premières chansons seulement (ou les dix premières minutes), et sans flash. Si vous n’avez pas le matériel adéquat, votre chance de prendre les plus belles photos peut vite s’envoler.

Il y a deux facteurs principaux à prendre en compte dans le choix de votre appareil pour la photographie de concerts : Sa capacité à gérer la montée en sensibilité ISO ainsi que la qualité de son autofocus.

Les paramètres ISO de votre appareil contrôlent la sensibilité de son capteur à la lumière, et des niveaux élevés sont généralement requis pour photographier les concerts, comme des ISO 1600 ou ISO 3200. Néanmoins, le son produit par le cliché peut parfois être assez fort pour altérer sensiblement la qualité de l’image.

L’appareil photo adéquat pour vos concerts se doit de maîtriser ces ISO élevés, sans produire de son indésirable. Il existe cependant des exceptions à la règle, en effet, plus le capteur est récent ou de taille importante, et plus la qualité des photos sera élevée.

Ce dernier principe s’applique également au système d’autofocus de votre appareil. Ainsi, vous souhaiterez sélectionner l’appareil qui sera en mesure de gérer les niveaux les plus bas, soit -3EV ou mieux. Les modèles récents les plus populaires parmi les photographes professionnels musicaux sont les modèles full frame pour le Canon EOS 5D Mark IV, le EOS X Mark II, ainsi que les Nikon D759, D850 et D5.

S’agissant des objectifs, tout est une question de large ouverture, et vous devriez opter pour ceux qui permettent une ouverture maximum de f/2.8, ou plus rapide.

Un bon point de départ serait, par exemple, un objectif primaire de 50 mm f/1.8, qui procure une ouverture très rapide pour un maximum de lumière emmagasinée, et une bonne longueur focale pour les portraits et les photos à mi-distance. Il est, par ailleurs, relativement bon marché.

Si vous souhaitez passer à la vitesse supérieure, vous devriez opter pour les zoom optiques professionnels tels que le 24-70mm f/2.8 qui se révèle un très bon choix pour les salles de taille modestes à moyennes. Pour les plus grandes scènes ou les festivals, un téléobjectif 70-200mm f/2.8 serait plus recommandé. Il peut d’ailleurs parfois être judicieux de se procurer du matériel professionnel d’occasion, en effet, entre les slams, les verres renverses, ou même juste l’exercice de se frayer son chemin dans la pénombre, les appareils subissent forcement quelques chocs et éraflures en chemin. A ce niveau, seule la performance est importante, elle prévaut sur l’aspect esthétique du matériel.

En amont du concert, vous pouvez vous procurer un avantage stratégique en anticipant les postures de vos artistes ou de votre groupe. En effectuant des recherches sur les réseaux sociaux comme Instagram ou Facebook notamment, vous pourrez trouver des clichés des précédentes tournées vous permettant de voir leurs habitudes. Par exemple, si le chanteur a tendance à tenir son micro d’une main particulière, cela impliquera pour vous d’opter pour un côté de la scène permettant des clichés non occultés.

Les meilleurs paramètres pour la photographie de concerts

Quand il s’agit de photographie musicale, le choix des paramètres les plus adaptés constitue parfois un vrai casse-tête. Ainsi, il n’est pas rare que ce qui fonctionne pour un concert ne fonctionne pas tout à fait pour un autre, même dans la même salle de spectacle !

Voici donc mon approche quant à ces principaux paramètres :

Le mode d’exposition

Dans les concerts dynamiques, la chose la plus importante à mon sens, est d’être tellement à l’aise avec votre appareil que la manipulation des réglages en devient naturelle. Pour cette raison, je choisis de toujours photographier en mode d’exposition manuelle, car j’apprécie particulièrement de pouvoir ajuster la vitesse d’obturation, l’ouverture et les réglages ISO pour répondre au défi des changement de lumière.

Je sais que certains photographes de concerts préfèrent photographier en utilisant le mode « priorité a l’ouverture », dans lequels ils peuvent fixer les niveaux d’ouverture et d’ISO, tout en compensant avec le niveau d’exposition. Il est vrai que les deux méthodes offrent de très bons rendus.

Les avantages du mode manuel est le contrôle total du niveau d’ouverture, ainsi, il n’y a pas de mauvaises surprises quand le système de mesure a mal jugé la lumière. Néanmoins, le prix à payer est un plus grand temps consacré à l’ajustement des réglages.

L’avantage d’être en mode « priorité a l’ouverture » quand à lui est la vitesse d’exécution et la liberté de se concentrer sur les sujets de composition en étant moins focalisé par le contrôle de l’ouverture. En revanche, le rendu des photos peut être altéré par un niveau trop élevé ou trop faible d’ouverture.

Ouverture

En règle générale, j’essaye de conserver une ouverture d’environ f/2.8 pour laisser beaucoup de lumière toucher le capteur, pendant que je maintiens une profondeur de champ pour zoomer sur le sujet. Dans les salles particulièrement sombres, j’opte plus pour une ouverture de f/1.8 si je dispose d’un objectif qui en est capable. Pour les festivals en extérieur ou dans les salles très clarteuses, je restreins l’ouverture jusqu’à f/5.6 avec en ayant un angle d’attaque centré sur les sujets, quitte à avoir un fond flouté

Vitesse d’obturation

J’essaye d’éviter au maximum d’abaisser ma vitesse d’obturation en dessous 1/200sec pour m’assurer de clichés toujours nets, même avec les sujets les plus en mouvement. Quand les artistes sont particulièrement remuants et actifs, ou quand la lumière le permet, j’essaye de pousser ma vitesse d’obturation jusqu’à 1/500sec, voir même au-delà.

Par contre, si j’ai des difficultés à obtenir une belle exposition à 1/200sec, je préfère augmenter mon niveau ISO, au prix d’un volume sonore plus important au moment du cliché, plutôt que de perdre de la précision et d’obtenir des images floutées.

ISO

Quand j’arrive dans les salles de spectacles, je règle mes paramètres avec une sensibilité d’ISO 1600 – qui produit un volume sonore que j’estime acceptable – et je l’ajuste à la hausse si nécessaire pour me permettre de conserver une grande vitesse d’obturation et une ouverture minimale comme mentionnés ci-dessus.

En cas de forte luminosité, quand je suis en mesure de limiter mon ouverture et de pousser ma vitesse d’obturation, j’essaye d’abaisser l’ISO à 400 ou 800 pour obtenir des résultats plus nets.

La mise au point

En temps normal, le point d’autofocus le plus sensible pour un appareil photo est le point central, et, pour cette raison j’active généralement le mode « mise au point individuelle » de mon appareil avant de définir le point central. Avec ces réglages, je peux presser à moitié le déclencheur et cadrer le visage de mon sujet, avant de recomposer et prendre la photo.

D’autres photographes préfèrent parfois faire une mise au point en continu sur leur sujet, ou encore changer leur mise au point après avoir décidé de leur composition. Ces techniques fonctionnent également, cependant elles peuvent parfois amener à des erreurs de mise au point, en particulier à faible luminosité. Je vous conseille d’essayer ces différentes techniques et de voir avec laquelle vous vous sentez la plus a l’aise, et celle produisant les meilleurs clichés avec votre appareil.

Le mode de mesure

A moins de prendre un cliché grand angle d’une salle ou d’une scène complète, je paramètre toujours mon appareil avec l’option de mesure spot.

Ma mise au point étant fixé au centre du cadre, je peux véritablement me concentrer sur les yeux de l’artiste, la zone la mieux exposée. Dans plusieurs cas de figures, il existe des différences importantes entre les parties éclairées et ombragées qui peuvent perturber le système de mesure spot, cependant, cela fonctionne généralement plutôt bien pour moi.

La vitesse de rafale

Je fixe généralement la cadence de prise de vue à un niveau relativement lent. Cela me permet de prendre rapidement plusieurs clichés en rafales si je maintiens le déclencheur, mais à un rythme permettant d’obtenir des images significativement différentes, que ce soit au niveau du mouvement ou des expressions des sujets. Cela me permet de ne pas finir avec une dizaine de photos identiques.

Si j’anticipe que l’artiste va sauter, c’est généralement le moment où je change les paramètres pour un mode de rafale plus élevé.

Le type de fichier

Raw, raw et encore raw ! La quantité d’information et de détails dans un fichier raw est bien plus grande qu’avec un fichier JPEG, cela vous permettra d’obtenir de meilleurs rendus au tirage.

Peu importe le niveau de compétence que vous arriverez à développer en tant que photographe de concerts, vous n’arriverez jamais à n’obtenir que des images parfaites ! Les fichiers raw vous permettent ainsi plus de marge de manœuvre qu’un JPEG pour les détails des zones ombragées ou lumineuse, et vous permettent aussi de contrôler la réduction des effets de bruit sur les images pour un rendu plus naturel.

Comment cadrer la photographie de concert ?

Vous avez donc choisi votre matériel et vos paramètres, il est maintenant temps d’aborder la question des clichés à prendre, et de comment les cadrer en concert. La clé est la diversité ! Peu importe les objectifs que vous utiliserez, essayez au maximum de prendre différentes compositions à chaque show en variant les angles et les orientations. Cela vous permettra d’avoir tout un ensemble d’images intéressantes pour votre public, et de pouvoir en faire usage dans divers médias. En effet, un portrait du chanteur ou de la chanteuse en premier plan donnerait une superbe image imprimée, seulement si vous n’avez que ce type de photographies à la fin de votre concert, vous n’en avez capturé qu’une infime part, en occultant l’atmosphère générale ou l’ambiance par exemple. Essayez d’être au plus près des sujets, il vous sera ainsi possible d’obtenir les portraits les plus profonds, mais élargissez également le spectre pour capturer les interactions entre les membres du groupe par exemple. N’oubliez pas non plus le public enthousiasmé par la performance, ou encore quelques clichés des instruments ou détails sur scène. Un album incluant tous ces clichés est particulièrement complet et parle à tout le monde !

Faites attention tout de même avec le désordre sur scène et essayez autant que possible d’éviter les instruments, micro et autres artistes dans le champ. En effet, cela crée des distractions, les photos apparaissant moins travaillées et donc beaucoup moins professionnelles. Essayez d’attendre le moment ou les lumières de la scène mettent les artistes en valeur pour obtenir un véritable impact, positionnez vous en sorte que les yeux des sujets donnent l’impression de regarder par-dessus plutôt qu’à coté du cadre.

Dernières recommandations

A l’instar de tous les sujets photographiques, plus vous photographiez de concerts, plus vos photos ont de chance d’être réussies. Avec l’expérience, non seulement vous serez à même d’adapter vos réglages rapidement aux différentes situations, mais vous développerez également un sens artistique vous permettant de capturer le cliché parfait quand il se présentera à vous. N’essayez par contre pas de courir après la photo de l’année a chaque concert, vous serez vite découragé si quelqu’un la prend à votre place ! De plus, tellement de facteurs étant en dehors de votre contrôle, vous aurez toujours besoin de chance pour capturer les plus beaux clichés de concerts ! Par-dessus tout, n’oubliez pas de vous amuser et de prendre du plaisir à immortaliser ces instants !

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